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在运用踏板时，脚的位置是也很重要。因为，正确的位置能够让脚灵活的踩下或放开踏板，随着音乐不断的变化而做出相应的变换。首先，说说右脚。右踏板运用广泛，使用频率较高，右脚需放在右踏板的旁边，不踩踏板时放在地面。如需踩时，脚跟不离地，以脚跟部分为轴，迅速转动脚放到踏板上。踏板上只需用脚趾至脚心的中间部分踩住即可，不要整个脚都踩上踏板，甚至脚尖部分顶到琴板。左踏板的使用相对较少，左脚也需放在左踏板旁，原理与右脚相同，极少时也要兼顾中间踏板即弱音踏板的使用。

在实际练习或演奏过程中使用踏板时，我们往往要结合和声、节奏及不同的作品风格等等，做到有区别的运用。和声是我们使用踏板时必须考虑的基本因素。演奏者要先对乐曲中和声有所了解，随着和声的不断变化，正确的使用踏板。例如在莫扎特的钢琴奏鸣曲中，讲究的是流畅的旋律线条和清晰的音乐织体，那么踏板的运用就要很小心，和声在变化时踏板的交替使用要及时，不要混合了不同的和声，破坏了其音乐特性。

同样，节奏也影响着音乐的直接表现，节奏性强或是需要演奏很大的音量时，适当的运用踏板会增加音乐的表现力。如李斯特的匈牙利狂想曲，有一些中段部分取材于民间舞蹈音乐，节奏鲜明，这时也需要运用踏板，增强音乐的感染力。在印象派或现代派的钢琴作品中，踏板的运用是变化多样，甚至是打破常规的。如德彪西的钢琴作品中，虽然很多地方没有标明踏板的使用，但是踏板是必不可少的制造其特有的音乐效果的一部分，很多时候还需要加上左踏板。为了弹出变化无穷的描写声音、光线或是气味的音乐效果，踏板的运用是需要更为谨慎和讲究，对待和声的处理与弹奏莫扎特的钢琴奏鸣曲等古典乐派是完全不一样。

综上所述，踏板的运用在钢琴演奏中是必须要面对的一个非常重要的部分，需要演奏者重视、研究、并且正确的使用它。由于不同的曲目有不同的音乐风格、时代背景，所以踏板在实际运用中会有不同。在专业老师的指导和带领下，需要演奏者认真倾听，让耳朵在踏板的运用过程中捕捉每一个细节，不断调整，弹出自己想要的音乐效果，从而增强音乐表现力，提高自己的演奏水平。:wink:

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在学生学琴的初期或是学习了一段时间以后，家长或是学生自己总是有些担心，学琴进度是否慢了？弹得是否正确？当然，大部分家长都不是学音乐出身，虽然有让孩子学习钢琴的兴趣和热忱，以及知道孩子学习钢琴的种种益处，但是对钢琴的学习过程依然是不甚了解，亦或是一无所知，更甚至有的家长让孩子学琴的目的也比较急功近利，与钢琴音乐教育的根本目的背道而驰。其实，钢琴学习是一个循序渐进的过程，很多基本功如技术、乐感、手指触键等等的积累是需要时间的。很多孩子在学琴初期虽然能够理解并努力做到老师的要求，但是仅仅这样是不够的，因为钢琴演奏是需要手指来完成，手指和钢琴的关系也是需要积累的。

有些孩子是在4、5岁时开始学习钢琴，有些孩子会晚一到两年，这个年龄段的孩子还处于生理及心理的成长期，认知能力有限。有时，老师上课讲的知识，上课时记住了，下了课就忘了，或是没有理解正确，下节课需要老师调整改正，这就需要老师下次遇到时再次重复。尤其是手指的触键感、手的运用、手臂的运用，不是老师说一遍，孩子就能立刻做到位。这种重复，在有些家长看来是无谓的重复，其实不然，每一次的重复，对于给孩子来说，都是从不同角度的理解，有时是从这个角度理解了，但是另外还有没有注意的其他角度，老师就会从这个角度来提醒和帮助其修正。比如：刚开始学琴时，老师会强调手臂力量的运用，然后加上手指关节的运用，前后协调从而达到“前紧后松”（手指用力而手腕和手臂放松）的放松良好的弹琴状态。这听似简单的道理要让孩子实际运用起来，是需要一个过程的，这个过程有长有短，是根据每个孩子手的条件、领悟能力、练琴时间的长短等等来决定的。

有些家长性子比较急，总是希望孩子能够尽快理解老师讲的知识，尽快弹熟老师布置的曲子，在课后的练琴时间中不断加大学习量，延长学习时间，复习了一遍怕学的不扎实，又复习两遍三遍。。。殊不知孩子每天的能量是有限的，即使忘记了，第二天在再复习都是正常的，要允许他们遗忘或是犯错误，要给他们成长的空间和时间。否则，情况只会越来越糟，孩子慢慢的会对学习、甚至对家长也产生厌烦甚至是逆反情绪。（to be continued...）

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从老师这方面来说，部分钢琴老师出于自身认知程度的限制亦或是其他的各种原因，不仅不提醒家长揠苗助长的危害，还一味的迎合家长急功近利的心态，盲目追求所谓进度，导致教学不严谨，最终使很多好条件的钢琴苗子过早夭折，甚至最后还因为学琴，造成家庭亲子关系的紧张。这不得不让人遗憾，而这一切的一切，也实在是令人扼腕！这样的学琴，已经和开始学琴的目地背道而驰，并已经产生方向性的错误，又何谈到达成功的彼岸。我一直都推崇，把钢琴教育亦或是音乐教育，当做一种美学教育来推广。须知，美学教育的根本，就是教会我们什么是美？美的标准是什么？如何感受到这种美？等等。如果，我们在进行这种美学教育的过程中，接受美学教育的个体却感受到无穷无尽的折磨和痛苦，那么这些个体又如何来感受这种“美”呢？进而言之，又如何感受音乐之美，钢琴之美呢？

钢琴学习中，学生仅仅是把音符给弹出来，这是远远不够的。或者说，这仅仅是开始。尤其是在学琴初期，还需要学习很多额外的知识。音符的认知对于孩子来说不太难，只要掌握相关的规律，多看多读自然就熟悉了。难就难在如何正确的把音符弹出来，而这种正确并不仅仅是简单意义上的弹奏音符的正确，还包括许多其他内在的知识和理解，这就需要老师讲解大量的关于手指手臂的运用等技巧、音乐基础知识和乐理、不同曲目的不同演奏方法以及做好正确的示范等等。这些知识，从传授、理解到学生最终消化，并完全转换成自己的知识，都是需要时间的沉浸。Good things need time! 好酒是需要年份的！相信这样的道理，几乎所有人都懂。因此，把学琴当做追求短期目标只是一时的、更是短视的，而耽误了孩子打好坚实基本功的最佳时间却是得不偿失的。

家长、老师和学生在学琴初期切不可急于求成，要知道“欲速则不达”，万丈高楼平地起。有时，减慢进度就是为了今后更好和更快的进步。 “揠苗助长”的故事人人皆知，可实际生活学习中却屡屡出现这样的事情，也算是生活对世人的一种嘲弄吧！学习钢琴的过程是一个需要时间和基本功积累的过程，只要遵循钢琴学习的规律，轻松上好每一节课，轻松完成每天的练习，不仅能使孩子们在学习中得到自信，而且也在其中受到了音乐的熏陶和美学的教育。谨撰此文，和同仁、家长和学生共勉之！

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现如今几乎所有的父母在经济条件允许下，都希望自己的孩子能够接受艺术的熏陶。音乐以其独特的艺术魅力，使人们越来越青眯。很多家长们年轻时候没有机会接受这方面的熏陶，而现在经济条件允许了，就希望让孩子接受一些音乐方面的教育。一来，可以陶冶情操；二来，也帮助孩子找到了一位终身的“知心朋友”。可是，由于大部分家长对学琴的过程以及中间出现的问题并没有一个清醒的了解，更没有清晰的解决方式，进而致使很多有天分、有兴趣的孩子在学琴的过程中走路误区、半途而废、甚至短暂的艺术生命就此夭折。终日面对此情此景，作为一个音乐教育者，实在是为家长痛惜，也为孩子的放弃扼腕。甚至有的孩子经过了多年的辛苦学习，在考完八级、九级之后，就再也不碰钢琴了。那么，这种半途而废的原因到底是什么呢？而我们在学琴的过程中，如何避免出现这种情况呢？

首先，在孩子学琴之初，启蒙老师对孩子的影响有着深远的意义。一个好的老师会把复杂的知识讲的浅显易懂，让孩子养成良好的练琴习惯，并且在家长和孩子学琴过程中浮躁和彷徨的时候充当一盏指路明灯。最重要的是让孩子从一个不懂得欣赏音乐的人慢慢的喜爱上音乐。谁都知道，好的开始是成功的一般，可是真要落实到实处又有几人？奈何很多家长都没有意识到这一点，却单纯的认为：孩子初学，只要自己方便，随便找个会弹点钢琴的，离家近的就可以了。启蒙教育并不那么重要，等到了一定的级别再去找好老师。殊不知，这种想法，已经为以后的半途而废和进一步的学习埋下了隐患。因为在初学时，老师的要求不严格，亦或是老师的专业技能不过硬，并没有为孩子打下良好的基本功，加上有些应该早就改掉的坏毛病日积月累的存积下来，随着学习曲目量的增加，演奏要求的提高，孩子会觉得完成一个曲目是非常困难的事，或是希望更进一步的时候，会发现越来越举步维艰。久而久之，因为不能胜任而半途而废的情况就自然而然的发生了。

其次，在学琴的过程中，有的孩子其实对钢琴很感兴趣，但是遇到需要练习难点的时候就打起了退堂鼓。这时有的家长就会觉得是不是少练些时间，不要打击他的积极性。否则连兴趣都没有了，怎么才能练下去呢？咋一听，似乎这样的想法有几分道理。可是仔细推敲下，就会发现事实并不是这样。试想，每个人都有在困难面前退缩的天然惰性，何况一个孩子？没有付出，那来的回报。人这一生，除了惰性是与生俱来的本领，恐怕再也没有其他的本领是与生俱来了。无论我们学习什么，都会面临困难。在这个时候，我们不仅要帮助孩子去学习到技能，更应该帮助孩子学会去面对困难。从我多年的教育经验而言，帮助孩子学会面对困难甚至比学会某项技能更加重要。这是因为，知难而上和迎难而上是一个成功者所必须具备的基本品格，而无论他将来从事什么样的职业亦或是扮演什么样的社会角色。家长在原则性问题上的一味退让，只会助长孩子畏难怕苦的秉性。那么长此以往，还有什么学习可以坚持下去。具体到日常的练琴，比如有的孩子不练琴前不喝水，不上洗手间；一到练琴时间，一会儿就要喝口水，再过一会儿，就要去上趟洗手间。在这种情况下，家长就需要在开始时就减少答应的次数，每次练琴只能有一次这样的情况发生。几次之后，就要杜绝练琴时出现这种情况，要不就练琴前做好准备，要不然就练完后再去。家长需要耐心帮助孩子慢慢的养成一个良好的学习习惯：练琴时要专心，学习时也要专心。否则，今天孩子觉得可以逃避练琴的困难，他日也会觉得可以逃避生活中的一切困难。久而久之，半途而废就会成为孩子的习惯。（to be continued...）:wink:

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另外，还有的孩子，学琴没多久之后，觉得自己谱子也会看了，手也可以在琴上弹起来了，就急于往后面弹，以至于老师给的作业也不好好练。殊不知后面的曲目看似简单，其实相对于初学的孩子还是有些难度和要求的。对于这一类眼高手低和好高骛远的孩子，家长也不可随意纵容。而是应该耐心帮助孩子认识到“饭要一口一口吃，学习是要一步一步积累”的道理，同时认识到踏踏实实的积累在学琴过程中的重要性。倘若一味的让孩子凭着兴趣，想弹什么就弹什么，此时，再次面对困难时，又会心生退意，不想好好练琴，只想急于求成。暂时的迁就他的兴趣和帮助他清醒的认识到踏实的重要性，孰重孰轻相信家长们也自会拿捏。当他碰到困难退缩之时，也就是兴趣消失之日，那时我们再费尽心力让孩子重燃兴趣之火，其难度可想而知。还不如让他稳扎稳打，须知难者不会，会者不难。我们只需要让孩子明白这个道理，踏实的练习，那么暂时的困难都会很快的过去。否则，当兴趣被困难消磨之后，那孩子也离半途而废不远了。

同时，在如何平衡兴趣和技术练习之间，老师的作用也是非常重要的。必要的技术练习当然是必不可少，弹琴归根结底是在用手指弹，就算心里有很多想法也是需要通过手指来表达出来。因此，老师在教孩子弹琴时，更要教会孩子如何练琴。养成正确良好的练琴习惯和练琴方式是坚持下去的关键一步。与此同时，家长要有意识的培养孩子的毅力和耐力，让他们明白没有付出就没有收获。当孩子清楚看到自己明显进步的时候，他的兴趣和信心都会大大增强，并且慢慢的意识到自己的辛苦没有白费，也是完全值得的。在此基础上，孩子会慢慢地进步，并会为自己的进步而感到欣喜，逐步形成练琴的良性循环。

总而言之，在学琴的过程中，只要我们找对方法，对症下药，半途而废的魔咒是完全可以避免的。只要是有正常双手的人，并且有着对钢琴音乐的兴趣和喜爱，都可以学习下去。学习中的困难是会发生，因为任何学习都会遇到困难，但关键是老师的正确引导，以及家长、孩子的理解和配合。只有让孩子在学习的过程中积极主动的解决遇到的困难，能够从中得到进步的乐趣，并且随着琴艺的提高而感知体会到自己弹出来的音乐所带来的快乐，才会最终避免出现半途而废的情况。学琴如此，学习亦如此！

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部分学生在拿到一首新曲目后，往往刚练习一段时间，就以为弹好了，并且就开始用很快的速度弹奏；而另一部分学生，一首曲目练了很长时间，还是弹得不紧不慢，似乎也没有什么激情。那么，就自然而然的产生这样一个问题：一首曲子到底应该弹多快呢？

首先，需要区分曲子的练习速度和基本演奏速度。这是两个完全不同的概念。练习速度，从字面上来理解，就是指日常练习曲目的速度。一般来讲，是以慢速练习居多。当学生还处于视谱阶段时，需要慢练才能找到正确的音符，并且很多技术难点需要不断的慢练才能达到完美的效果。而在练习了一段时间后，对曲子有了一定的掌握，这时就要用曲目本身要求的速度，即演奏速度，来听一听最后的效果是如何的。

部分学生往往会忽略谱子上已经标记的速度。其实，在曲子的开头，大部分都已经用意大利文标记好速度了。并且，有的还在旁边精确标记了节拍器上每分钟节奏速度的数字。如Moderato（中速），Allegro（快板），Andante（行板）等等，这决定了曲目的基本演奏速度。因此，就不至于把一首抒情歌唱的慢速曲弹成活泼快速的曲子，也不至于把一首原本快速激昂的曲目弹的不温不火。

速度标记只是一个基本速度，在此基础上我们会发现标记在旁边的，即每分钟节拍器的速度是有一定浮动的。这也就是为什么同样是慢速，每个人弹出来的效果都不一样。这取决于个人的理解以及自身的演奏能力。速度的浮动，是在基础速度范围内，合理的变化，而不是随意变化。有时，限于自身的技术能力，特别在演奏快速的乐曲或练习曲时，应留有一定的余地，而不要一味的追求快速的弹奏。

速度的快慢决定了音乐的风格。在初期视谱阶段，就应该注意到谱子上的标记。不同的速度也表现出不同的音乐形象，揭示了不同的音乐内容。一旦速度没有弹对，经常会使作品的意境和内容完全改变，而面目全非。可见，正确的演奏速度在实际演奏中的作用是非常重要，也是值得我们重视的。:wink:

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学钢琴的人都知道，键盘上唱名为do, re, mi, fa, sol, la, si的音，分别也叫做C, D, E, F, G, A, B。 固定调是指这些音在五线谱上的位置和键盘上的位置是逐一对应的，如遇到调性的变化也是在相应的音符上加上升降记号，并不因为调性的变化而改变其唱名。

而首调的概念是指以大调音阶的主音（第I级音）唱作do, 其他依次为re, mi, fa, sol, la, si，小调音阶主音（第I级音）唱作la, 其他依次为si, do, re, mi, fa, sol，例如在简谱中经常会看到1 = C, 是指C大调的do, re, mi, fa, sol, la, si，又如1 = F，是指F大调的do, re, mi, fa, sol, la, si，也就是固定调中的F (fa), G (sol), A (la), 降B (降si), C (do),D (re), E (mi), F (fa)。

那么在学习钢琴的初期看五线谱时，强调的是固定调的概念和运用，因为五线谱上的音符是固定对应键盘上的音的，并且钢琴的律制是十二平均律，通过不同调性的学习加强了对键盘的认知和了解。这对于4、5岁的孩子来说问题不大，只要解决看谱的问题就可以了。可是对于成人学习者来说，就多多少少会有些疑惑甚至是混淆。他们原本会有一些首调的概念，因为没有理清楚两者的区别，在学习过程中会造成不必要的困惑，反而徒增加其复杂性，其实只要简单的做到谱子上写什么音就在钢琴上弹出来即可。

在学习钢琴的过程中，还有一项不可缺的训练就是视唱练耳，每个人的耳朵是可以训练成固定调或是首调的听觉，两种方式各有各的优点。但是无论是用哪一种方式来听，前提都是要对键盘和调性很熟悉。用固定调的方式来听可以准确的找到音高，用首调的方式听，可以根据音程之间的关系找到相应的音高。只要熟练掌握了其中一种，都可以自如的应付视唱练耳中的问题。

固定调和首调的运用各有各的优势，固定调在五线谱上标记明确，易于在键盘上很快找出来，并能客观反映声响的物理特性和实际音高。而首调的优点是旋律性较强，且移调较快。在钢琴学习的过程中，只要用得好、用得熟，都是对其有帮助的。只有了解了两种方式对听音、视唱及在演奏中不同的影响后，才能真正找到一种自己使用起来较为简便的、对学习有帮助的方式。

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在教学过程中，有的谱子除了有学生演奏的部分，通常也会有老师的演奏部分。那么这种两个人在一部钢琴上同时弹奏不同声部的演奏方式，就叫做四手联弹。四手联弹对学生的钢琴学习有着极大的促进作用，因此也会对学生的学习效果产生莫大的益处。

通常，简单的四手联弹，学生演奏高声部，老师演奏低声部。老师主要起到一个伴奏的作用。两人共同演奏，协调的关键在于节奏。而为了达到默契的合作，节奏就必须一致。同样，此时学生也会对节奏格外注意，并且在老师的带领下，对节奏的掌控和感受会有所提高。

在四手联弹的过程中，原先学生演奏的部分和声较为单薄，而老师演奏的部分通常会有比较丰富的和声。同样的高音配以不同的低音和声，就会产生不同的意境和效果。这时老师如果强调学生多听，并启发他们捕捉不同和声带来的不同感受，就可以让学生领略到音乐的变化和美。这不但对学生的听觉提出更高的要求，与此同时也激发了他们对音乐的感受力。

老师和学生四手联弹时，与学生单独的演奏比较而言，能发出的共鸣要强的多，力度上也会有对比。比如高声部演奏旋律时，要求有较清晰的声部走向；而此时，低声部的伴奏部分就要相应的压低声响。另外，有时旋律在低声部时，高音部分也要求相对较弱。力度的对比有利于音乐的表现，在与老师的多声部合作中，学生的音乐表现力和理解力也将得到学习和显著提高。

四手联弹带给了学生不同的音乐感受，并且增加了弹琴的趣味性和极强的参与性，以及提高了学生学琴的积极性。通过对乐曲整体、多层次的控制和把握，使学生真正意识到在音乐听觉、力度对比等多方面的要求。这将对于其自身独奏曲目的理解提供很大的帮助。许多著名作曲家如莫扎特、贝多芬、舒伯特等都写过四手联弹的曲目。在这些广阔的音乐曲目中，也不乏大量动听的四手联弹曲目等着大家来发掘和尝试。这就好似三明治和各国美食相比，欲取欲舍，悉听尊便。。。。。。:wink:

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有些学生在弹奏一首曲目时，经常由于没有看清楚乐谱上的音乐术语，而把一首原本抒情悠扬的歌曲弹成了活泼欢快的舞曲，或是原本作曲家标注的音乐术语没有理解，自己根据自身有限的理解歪曲了作曲家的本意。那么什么是音乐术语？音乐术语的作用又是什么呢？

音乐术语是指在音乐表演中用来指示演奏的专业术语。一般在学琴的初级阶段用来标记速度和力度的音乐术语比较多。随着乐曲难度的提高，逐渐会有更多的表情记号出现。乐谱上出现的音乐术语大多数是以意大利文的形式出现，也有的作曲家会用本国文字，如法国作曲家德彪西（Claude Debussy所作的钢琴曲中，很多用来指示演奏的术语是用法文标记的。

在拿到一首新曲目时，仔细的学习者会看清楚乐谱上细节再弹奏，这其中包含了音乐术语。因为根据作曲家所标记的速度，力度，表情记号等才能全面、立体的表达其想要表达的意境。哪里强哪里弱，哪里要演奏得快些，哪里要演奏得慢些，谱子上都会有明确的标记和指示。在练习的过程中，按照这些指示才能通过乐谱领略到作曲家的意图，从而做到忠于原谱，也就避免了如本文开头所描述的情况。

下面介绍一些常用的音乐术语，仅供参考。

速度：
Adagio 柔板；从容的；悠闲的
Allegro 快板；欢快地；较活泼的速度
Allegretto 小快板；稍快；比allegro稍慢的速度
Andante 行板；徐缓；行进的
Andantino 小行板；比Andanto稍快；较快的行板
Largo 广板；宽广的；庄严的
Lento 慢板；慢慢的
Moderato 中板；适中；节制的
Moderatamente 中等的；中庸的
Presto 急板；急速的
Vivo 活泼；生动地；充满活力的
Vivace 活跃的；快速的；敏捷的
ad libitum (ad lib) [拉丁] 速度任意
a tempo 速度还原

力度：
Piano (p) 弱
Pianissimo (pp) 很弱
Forte (f) 强
Fortissimo (ff) 很强
Mezzo Piano (mp) 中弱
Mezzo Forte (mf) 中强
Sforzando (sf) 突强
Fortepiano (fp) 强后突弱
Pianoforte (pf) 先弱后强
Diminuendo (dim) 渐弱
Crescendo (cresc) 渐强

表情术语：
Agitato 激动地
Alla marcia 进行曲风格
Appassionato热情地
Animato 有生气的；活跃的
Brillante 华丽而灿烂的
Con brio 有精神；有活力的
Cantabile 如歌的
Con grazia 优美的
Espressivo (espr) 富有表情的
Maestoso 高贵而庄严地
Marcato 着重的；强调的（常带有颤音）
Pastorale 田园的
Patetico 悲怆的；哀婉动人的
Scherzando 戏谑地；嬉戏的；逗趣的
Sostenuto 保持着的（延长音响，速度稍慢）
Sotto voce 轻声的；弱声的

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从最简单的钢琴基础教程到贝多芬、莫扎特的大师级的作品中，都会有一个容易被忽视，但是极其重要的音乐符号----休止符。在弹奏的过程中，对待休止符要和对待音符一样，要有足够的重视，因为休止符虽然不用弹出声音，但在音乐进行的过程中，同样也属于音乐的一部分。
               
在一些快速的节奏型如切分音中出现休止符，那么会使音乐显得节奏分明，干净利落。而有时在慢速悠长的曲子中，出现的休止符会使音乐显得意犹未尽，深远而含蓄。所以，休止符其实也是音符，休止符的准确性体现了音乐表达的准确性，如果不弹出其应有的时值，就破坏了音乐。

在孩子们学琴的初期，就会遇见这个简单而有用的符号了。但是在认识其时值之后，演奏过程中往往因为各种各样的原因，忽略了其在乐曲进行中的作用。如只看到音符，看不到休止符；只弹音符，而不弹出休止符的时值。那么会造成抢拍子，左右手不协调，乐句结束后没有结束感等技术上的问题，以及音乐不流畅，总是磕磕巴巴，破坏了音乐的线条和布局。

为了避免出现以上问题，孩子们在视谱阶段就应像重视音符一样，不要遗忘掉出现在谱子上的任何休止符。因为有了它们的加入，才使音乐有了更多的起伏和变化。无论是乐句的开始或是结束，准确的弹出其时值在节奏或是语气方面都会起到不一样的效果。

另外还要学会用耳朵倾听。如在有的乐曲中会出现一只手还在弹延续音，而另一只手是需要休止的，往往粗心的孩子只会顾及有音符的一面，另一只手仍旧按着前面的音符，而忽略了此处是需要休止的。这是除了老师的提醒于修正之外，学生也需要自己去听，以区别两者的不同之处，体会细微的差别。只有这样才会在下次出现同样的问题时，不会犯同样的错误。

中国有句古诗“此时无声胜有声”，我想在此做以引用也许能表达休止符在音乐中的意境和作用吧。:wink: